La fin de l'Art / The end of Art

Les arts visuels ont existé aussi longtemps que nous avons des traces d’établissements humains. Après une histoire ininterrompue depuis les artefacts et les peintures rupestres des premières cultures, et après une série de changements dans l’art européen des 19e et 20e siècles, il semble possible que le développement de l’art ait pris fin.

Que ce soit sous forme de document, du symbole ou de l’expression personnelle, l’art a toujours servi comme une manifestation de valeurs esthétiques et spirituelles. L’art touche à l’universel, aux qualités et aux sensibilités qui nous définissent en tant qu’êtres humains – le plaisir, la compréhension, la créativité, l’imagination, la communication des perceptions et des expériences partagées, la beauté et le sens. Au fil des siècles, l’art a constamment changé et évolué sous différentes formes et styles. Pour la plupart de son histoire une forme de représentation réaliste d’un objet reconnaissable, l’art a connu un changement profond au début de l’ère industrielle, comme des artistes de plus en plus proposé des alternatives à des traditions artistiques des académies de Beaux-Arts – des paysages, des nus, des scènes historiques et mythiques. Des artistes tels que Eugène Delacroix et Gustave Courbet ont commencé à créer des œuvres qui étaient plus expressives, soit dans leur choix du sujet et dans leur façon de peindre. Les artistes commencent à réaliser ce qui était possible dans l’art, une fois libéré de la représentation «réaliste» de la nature.

Dans les années 1860, Edouard Manet déterminé à produire de l’art qui est un reflet de son temps, d’une manière qui a été étonnamment contemporaine. Pour Manet, affiche évident de talent et technique ont été moins important que le message d’une œuvre d’art puisse communiquer. Les peintures célèbres de Manet «Olympia» et «Déjeuner sur l’Herbe » de 1863 ont marqué la rupture de première importance avec la définition théorique de ce qui était considéré comme «peinture habile». En apparaissant bruts et non qualifiés, ces tableaux présentaient la vie contemporaine et ses valeurs sociales, plutôt qu’à travers une représentation idéalisée. Art, tels qu’il était énoncé par Emile Zola, n’est pas un écran idéalisé et décoratif de la dextérité technique, mais « une représentation du monde vu à travers le tempérament de l’artiste ».  «L’Impressionnisme» des années 1870 a changé encore plus profondément l’art, comme une succession d’artistes sont devenus de plus en plus intéressés à la simulation des effets d’optique, d’impressions et de sensations.

A partir de l’impressionnisme, l’art aurait deux préoccupations essentielles: la structure picturale et les techniques utilisées dans la fabrication d’une peinture ou une sculpture, tels que les développements de Cézanne et de Picasso qui ont reconsidéré la notion de représentation dans le plan du tableau ; et le but de l’art, en particulier par le développement de l’art abstrait comme une manifestation de la philosophie et la spiritualité, dans les premières oeuvres abstraites de Wassily Kandinsky, Piet Mondrian et Kasimir Malevitch, au début du 20e siècle.

Extraordinairement diverses formes d’art ont continué à changer et évoluer tout au long du 20e siècle. Certaines nouvelles formes et mouvements, en particulier le Dadaïsme et le travail de Marcel Duchamp dans les années 1920 et ‘30, ont proposé que l’art puisse être une manifestation d’une idée, et ont été une réaction contre l’art pictural, décoratif et esthétique. Le Surréalisme, l’un des seuls ‘mouvements’ reposant sur un manifeste, le champion de l’inconscient et le désir d’exprimer des pensées et des idées le plus spontanément possible, et a trouvé une importante influence de l’art africain et ibérique, à la fois pour leur valeur symbolique et esthétique. Le Surréalisme, et le travail des autres artistes européens des années 1920 et ‘30 avaient une influence importante sur l’art en développement d’Amérique du Nord où «l’Expressionnisme Abstrait » des années 1940 et ‘50 a consolidé l’importance primordiale de l’abstraction et le signal d’un abandon de l’Europe comme le centre des progrès artistiques.

Quelques tendances et «mouvements» comme le Pop Art et le «Minimalisme» des années 1960 étaient une réaction contre ce qui avait immédiatement les ont précédés, dans ces deux tendances contre la «painterliness» de l’expressionnisme abstrait. Pop Art utilisait l’iconographie contemporaine pour refléter la société de consommateurs en évolution, alors que «minimalisme» a cherché à affiner l’art à ses éléments les plus essentiels, en mettant l’accent sur les ‘structures primaires’, la forme et des matériaux. D’autres tendances, telles que les «événements» d’Alain Kaprow et le Fluxus, et d’Yves Klein, ont demandé un engagement de provocation avec son public, de mettre l’art directement dans le domaine de l’expérience quotidienne. Dans les années 1960 et ‘70, des formes plus «conceptuelle» de l’art a commencé à développer, en reprenant en partie l’œuvre et les idées de Marcel Duchamp. Le terme «conceptuelle», inventé par Sol LeWitt, devait à l’origine impliquer une idée pour une oeuvre qui pourrait alors être faite selon des instructions écrites ou verbales, telles que l’élaboration de lignes sur un mur à intervalles prédéterminées. Depuis plusieurs décennies, cependant, le terme a été plus couramment utilisé par les artistes contemporains à justifier leur travail par les idées qu’il contient et ce qu’il tente d’atteindre.

A la suite des structures primaires du « minimalisme », « l’installation art » s’engage complètement avec la structure de l’espace de la galerie, souvent, en effet, en devenant une partie de la galerie elle-même, l’interrogatoire encore, de la nature de l’art, sa forme et son but. Art fini par quitter la galerie, et dans l’une de l’art n’est que l’évolution récente et importante, est devenu «land art», se replaçant dans la nature. Un cercle a été achevé. L’Art a suivi une trajectoire particulière, en constante évolution des tendances à la liberté d’expression et d’imagination, une projection de la conscience de l’humanité d’elle-même, et une représentation, sur le plan physique et métaphysique, de la place de l’homme dans l’univers et dans la nature.

Depuis les années 1970 il y a eu relativement peu de développements artistiques importantes et aucune qui a su allier l’originalité et l’importance des figures majeures de la fin du 19e et le 20e siècle. Il a été suggéré à plusieurs reprises, d’abord par Georg Wilhelm Friedrich Hegel, que l’art serait arrivé à son terme une fois qu’elle aura atteint son objectif de révéler le potentiel du développement spirituel de l’humanité, alors que l’idée d’une «fin de l’art» a été récemment revisité par les critiques et philosophes d’esthétique Arthur C. Danto et Donald Kuspit.

Dans les années 1960, la musique était devenue prédominante du véhicule d’expression de la société elle-même, un milieu plus vital et immédiat que l’art qui prend plus de temps pour créer et diffuser. L’évolution de la société s’accélère, et elle a besoin d’une forme plus directe et spontanée pour articuler sa condition. De ses racines dans le jazz et le blues au point par les communautés noires portés en Amérique du Nord par le commerce d’esclaves du 19e siècle, la musique populaire a frappé le grand public à travers la musique rock des années 1950.

De la fin des années 1960 au début des années 1970, de nombreuses tendances importantes et des genres qui se posent seraient parallèles à l’intensité et à l’originalité de l’art du 20e siècle. Des musiciens comme Bob Dylan, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, le Velvet Underground et les Beatles originaient de nouvelles formes et de styles musicaux qui serait une énorme influence par le biais exercer des décennies suivantes. Dans le milieu des années 1970 la musique punk américaine et britannique a renversé le statut quo nouvellement établis, comme l’expression authentique de la société contemporaine. Un tableau étonnant des formes musicales suivies lors de la fin des années 1970 et début des années 80 y compris les groupes de bruit expérimental telles que les Swans, Einstürzenden Neubauten qui élargissent des frontières musicales au maximum.

Au début des années 1980, la musique électronique de danse a offert aux jeunes un débouché pour les besoins de l’humanité à redécouvrir la célébration communautaire de l’expérience partagée, d’abord dans des petits clubs mais plus tard, par le biais de rave-parties massive. Après un siècle de développement dans le domaine des arts visuels, la musique est devenue le moyen prédominant d’expression créatrice de la société elle-même.

En musique, comme dans l’art du 20e siècle, un nombre d’évolutions extraordinaires se développent dans un court espace de temps. Le jazz s’est transformée du « swing bands » populaires de la grande époque des années 1930 au plus petits ensembles de Charlie Parker, Thelonius Monk, John Coltrane, Miles Davis et d’autres dans les années ‘40 et ‘50, au free jazz d’Ornette Coleman au début des années 1960. Comme dans l’art, des progrès énormes ont été faits par un nombre relativement restreint d’artistes dans un laps de temps relativement court.

L’échec, avec seulement quelques exceptions près, de l’art à progresser au-delà des années 1960 et 70, a montré que, plutôt que de chercher toujours de nouvelles formes d’art qui ne serait plus possible, il pourrait être préférable de bien comprendre l’art qui a déjà été fait. L’art et la culture sont considérés comme étant parmi les plus beaux et les plus fiers exemples des réalisations humaines, et pourtant nous avons généralement omis d’expliquer, de comprendre et d’apprécier l’histoire et le développement de tous les arts. Bien que certaine attention soit accordée aux arts à l’école le traitement de la culture dans l’éducation n’est guère plus qu’un aperçu de la pratique historique, et la notion de la culture comme une manifestation des valeurs spirituelles et humanistes est plutôt ignorée.

Vu la profondeur et l’étendue extraordinaire de formes culturelles et de leurs histoires à travers toutes les cultures et toutes les sociétés, une partie importante de notre éducation pourrait être consacrée aux études culturelles comme une reconnaissance de leur place importante dans la société. La musique en particulier joue un rôle essentiel dans la vie de, pratiquement tout le monde, mais aucune tentative sérieuse est faite de reconnaître l’importance des formes historiques et contemporaines de la musique, pour traiter des sujets comme importantes pour le développement de l’individu et de la société. Les arts sont le plus souvent vu et vécu comme quelque chose d’accessoire et en grande partie de plaisance, au lieu de, comme ils sont, au cœur de l’expérience humaine. Les forces du marché jouent inévitablement un rôle dans la culture, afin que ce qui est présenté comme la «culture» est en réalité un produit de divertissement et de la marchandise banalisée.

Il a semblé pendant un certain temps que la pratique artistique d’aujourd’hui ne possèdent pas du tout la profondeur, l’originalité et l’importance des évolutions majeures de l’ère moderne. Le travail d’un artiste est important ne pas juste comme un travail en soi, mais à cause de ce qu’elle signifie en termes de la résonance de ses idées. Le travail de Cézanne et de Picasso ont crée un langage visuel profondément nouvelle, originale et convaincante. Mondrian et Kandinsky regardaient l’art comme une manifestation des valeurs spirituelles, et étoffée dans leurs écrits détaillés sur le sens et le but de l’art. Chaque nouvelle avancée dans l’art introduit de nouveaux concepts et d’idées qui ajoutent à la langue de définitions auxquelles la société se réfère et qui l’appelle la ‘culture’. Peu d’artistes, ces derniers temps semblent produire un travail qui au-delà de l’articulation d’une seule idée simple.

La production d’un ensemble cohérent de travail est inévitable pour un artiste, mais peu d’artistes, aujourd’hui, semblent capables de produire plus d’une seule ou quelques pièces qui ne sont ni convaincantes ni intéressant. Le travail est souvent justifié comme «l’interrogatoire» quand c’est le rôle de l’art de donner des réponses.

Étant donné le caractère extraordinaire de l’évolution qui s’est poursuivie sans interruption depuis les années 1860, il est possible que des développements importants dans l’art soient à bout. Ce qui est nécessaire est le besoin de comprendre ce qui a eu lieu dans les arts, et à absorber les conséquences du développement de l’art dans le tissu matériel de la vie quotidienne, afin que la société puisse être reconstruit autour des valeurs culturelles et spirituelles.

Les Définitions de l’Art (L’Histoire de l’Art Moderne)

L’art est une manifestation de facultés créatrices et imaginatives de l’humanité, qui, comme tout genre artistique, est conditionnée, dans une large mesure, par la somme de son histoire. Le mot ‘art’ couvre de différents sujets créatifs, de beaux-arts à l’artisanat et les loisirs. Le mot ‘art’ peut signifier des choses différentes dans différentes cultures. L’art des pays occidentaux a sa propre histoire, et ce qu’on appelle l’«art moderne» se développe en Europe vers la fin du 19ème siècle.

En raison du nombre de personnes qui ont, à travers l’histoire, été impliqué dans les arts, la plupart des thèmes et sujets ont été réalisés. Un important travail d’art aura généralement quelque rapport avec l’art historique qui l’a précédé, grâce à la sensibilisation inévitable de l’artiste d’œuvres historiques importants au sein d’un genre donné. Un morceau de travail est important – un artiste donné est considéré comme important – quand leur travail apporte une contribution importante et originale au développement de l’art.

En de rares occasions, un artiste pourrait provenir une forme entièrement nouvelle de la représentation, un thème, une idée ou sujet, mais en général l’Art évolue dans le cadre d’un processus d’évolution et le développement de thèmes connus. Les œuvres importantes, et la réputation de leurs auteurs, se consolident au fil du temps par l’estime des générations successives de travaux et d’artistes clés. De cette façon, au fil des décennies et des siècles, des définitions évoluent quant à ce qu’est l’art et est devenu, et comment et pourquoi un œuvre d’art est important.

L’art est encore considéré par beaucoup comme subjective et difficile à définir, et est souvent considéré comme étant créé par une expression inconsciente d’une impulsion créatrice. Mais une compréhension – même un simple aperçu – de l’histoire de l’art, montre que l’art moderne a mis au point consciemment et pour des raisons claires et précises. L’art moderne a développé en tant qu’artistes rendu compte que dans l’art était plus de potentiel que des représentations directes de la nature. Après l’épuisement de la tradition «réaliste» de la représentation de la nature, les artistes ont commencé à découvrir le potentiel qui se trouvait dans la matière de l’art lui-même.

Le développement de l’art moderne a commencé au milieu des années 1800, dans un contexte d’art européen «classique» – des images, l’allégorie, le paysage, le portrait et les natures mortes. Dans le Nord de l’Europe la peinture de paysage en particulier s’intéressé davantage à des représentations de la vie quotidienne, à travers des formes de réalisme documentaire.

Dans la seconde moitié du 19e siècle, les artistes ont commencé à voir dans l’art de nouveaux potentiels et des formes d’expression créative. Vers 1850, J.M.W. Turner de plus en plus employé les effets des matériaux, la couleur, la texture et le coup de pinceau, dans le but de parvenir à une représentation plus sensuelle, irrésistible et souvent plus approprié à la manière dont la nature a été expérimentée. Comment l’artiste peinte, autant que ce qu’il peigne, a commencé à avoir une importance croissante sur quel tableau communiqué. Chaque étape de ce processus évolutif a eu délibéré et considéré, en tant qu’artistes ont dépouillé l’art de qualités inutiles et archaïques et décoratives, se concentrant plutôt sur les qualités et le potentiel qui réside dans les moyens et les matériaux de l’art.

Les artistes et écrivains français des années 1860, comme Edouard Manet et Stéphane Mallarmé vit que cela était possible de se libérer de la proscription, se rendant compte que les artistes étaient responsables de ce qui est l’art et pourrait être, plutôt que de rester lié par les traditions et les idées qui avaient conditionné apparence art. Le développement des villes vers la fin du 19ème siècle, vit document de l’art, ainsi que faire partie d’un nouveau dynamisme culturel, urbain et plus libéré, et a créé le concept et l’existence de l’artiste indépendant du rétrécissement académique.

L’art « impressionniste » française des années 1870 a marqué un changement fondamental dans l’apparence de l’art, et a cherché à représenter des sujets à travers des effets d’optiques et des impressions. « Post-impressionnistes » tels que Vincent van Gogh et Paul Gaugin concentraient sur la capacité d’une peinture pour transmettre un effet émotionnel, pour donner une ambiance ou un sentiment à la fois par le choix du sujet et par la manière dont un sujet donné a été peint. L’art, il a été en cours de réalisation, n’a pas eu «réaliste», en illustrent un sujet, mais pouvait également communiquer sensuellement, sensoriellement et intellectuellement. L’objectif d’art est devenu de plus en plus la communication d’un résumé de la sensation au spectateur.

L’art est devenu «moderne» parce que la tradition du réalisme narratif s’étaye épuisées, obsolètes et peu satisfaisant. Les artistes ont découvert une capacité de communiquer des sensations, des effets et des idées d’une plus grande résonance intellectuelle, esthétique et métaphysique que la représentation réaliste de la nature. Les artistes ont commencé à employer les qualités et le potentiel qui se trouvait dans la matière de l’art lui-même – des qualités propres à l’art visuel – la ligne, la couleur, la forme, la marque du pinceau, la texture, le surface, l’échelle, et, dans la sculpture, l’espace à trois dimensions – les qualités qui au fil du temps sont connus comme la « matérialité » de l’art ‘.

Au début du 20e siècle, les artistes comme Wassily Kandinky, Piet Mondrian et Kasimir Malevitch développé des formes de l’art purement abstrait, en utilisant des formes et des couleurs seulement, éliminant ainsi la représentation littérale d’un objet reconnaissable, afin de répondre aux questions métaphysiques et philosophiques de l’être, et de la nature et la fonction de l’art. Le développement de l’art a été, à vue d’ensemble, cohérente et progressive, ponctuée/rythmé, à l’occasion par des artistes ou des périodes d’une importance particulière.

Ce qui constitue l’art n’est pas subjectif.

En raison de son association avec l ‘ «expression», de nombreuses personnes croient qu’il demeure une question d’opinion sur ce que l’art est et ne l’est pas. Si cela était vrai, nous n’aurions pas l’ histoire et le développement cohérent et consensuel que nous faisons. Pablo Picasso est un artiste important. Il n’est pas question – il ne fait aucun doute – qu’il était un artiste important. Nous savons et nous acceptons cela parce que l’œuvre de Picasso a été reconnu par les générations successives d’artistes, des historiens, des conservateurs, des critiques et du public comme innovantes, influents et importants. Quel que soit le cours ultérieur de l’art, rien ne peut altérer le fait que l’œuvre de Picasso occupe une place importante dans le développement de l’art. Ceux qui n’aiment pas le travail de Picasso, ou tout autre artiste établi, sont libres de ne pas aimer leur travail, mais n’ont aucune justification, si on dit que le travail d’un artiste respecté comme Pablo Picasso ou Marcel Duchamp est ‘pas de l’art’.

Le consensus qui reconnaît l’art significatif est atteint dès que l’avis des artistes les plus respectés, les critiques, les conservateurs et les historiens se décident au cours du temps où les artistes ont fait une contribution au développement de l’art qui est significatif et durable. De cette façon, au fil des décennies et des siècles, une histoire de l’art définitif sera établis. Une fois qu’un avis est atteint, nous pouvons dire avec un grand degré de certitude que cet artiste est et restera important. Ce processus de la réévaluation constante est au cœur du développement et la consolidation de l’histoire de l’art.

En raison du nombre de personnes qui ont, à travers l’histoire, pratiqué l’art, c’est que rarement que quelqu’un crée une œuvre d’une telle importance que quelque chose de nouveau est ajouté à la «canon» de l’art d’importance historique. Le «contenu» d’une œuvre est le sujet d’une œuvre. La manière dont un sujet est abordé est la «forme» de l’œuvre. Pour créer quelque chose de nouveau sera de traiter le contenu ou la forme ou les deux, d’un genre donné. Les œuvres importants modifient et étendent les possibilités de ce qu’est l’art – ainsi la «condition» de l’art. Art qui est important informe l’état de l’art.

Pour être l’art, une œuvre doit être profonde, résonnante et durable.

La «profondeur» signifie qu’il possède des qualités qui nous impressionne par leur autorité et leur cohérence et qui abordent des thèmes ou des questions substantielles. », On entend « résonant» à dire que le travail a une qualité particulière d’engagement, une manière dont le travail peut être utilement expérimenté, apprécié et «comprises» par le spectateur. «Durable» signifie que l’œuvre possède une profondeur suffisante – pas seulement comme une œuvre sur son propre mais aussi comme un indicateur de ce qui se passe dans la pratique de l’art – pour que nous revenions année après année depuis des décennies et même siècles, et qu’il ne perdra rien ou presque rien de sa qualité d’origine, et au contraire l’importance augmente qu’elle adopte un contexte historique.

Pour être de l’art, une œuvre doit être convaincante, soit physiquement et esthétiquement par sa présence ou par la force et la cohérence de ses idées. La définition simpliste du ‘talent’ et de ‘beauté’ – habileté à reproduire la nature – est devenue peu à peu perdue leur comme des artistes ont crée de nouvelles formes artistiques qui étaient aussi, voire plus, convainquant que la représentation réaliste de la nature. L’ »habilité» dans l’art peut être définie comme la capacité à produire des œuvres qui sont profondes, résonantes et durables.

Il n’est pas suffisant pour une œuvre d’art, ni pour un artiste d’être un artiste, parce que ‘l’artiste le dit ‘. Cette attitude provient d’un psittacisme de l’œuvre et des idées de Marcel Duchamp, qui, dans les premières décennies du 20ème siècle expose des objets quotidiens comme un porte-bouteilles ou une pelle qu’il soit trouvé ou acheté dans les quincailleries, affirmant que ce sont de l’art parce que lui, l’artiste, les a sélectionnés. Ce faisant, Duchamp a proposé – pour la première fois dans l’histoire de l’art – que l’art pouvait être de l’art en vertu de la force de ses idées, plutôt que d’en étant agréable esthétiquement. C’est l’originalité même de cette idée qui donne Duchamp son importance car il crée un nouveau concept de l’art comme un vecteur d’idées. De nombreux artistes contemporains continuent de se justifier en disant que le fait de placer simplement un objet dans une galerie ‘pose des questions’ de l’art, et justifie ainsi l’œuvre d’art. Mais un tel geste simpliste en lui-même ne question plus la nature de l’art comme l’a fait Duchamp qui, à travers une série d’œuvres importantes et substantielles a créé le concept de l’art comme idée. Une idée, comme toute autre forme d’art, doit être profonde, résonnante et durable. C’est le rôle de l’art de poser des questions – mais aussi d’apporter des réponses – pour les enjeux artistiques et esthétiques de la journée.

Le verdict du consensus historique est la seule corroboration praticable pour la réclamation d’un artiste pour son travail, même si les artistes significatifs savent déjà que leur travail est important au moment de sa fabrication. La reconnaissance continuelle au fil des décennies et des siècles, que l’artiste a apporté une contribution significative au développement de l’art, est la seule mesure réelle de l’art importance lorsqu’il s’agit de décider ce qui constitue l’art.

Les termes «significative» et «importance» sont impopulaire et sont considérés à tort comme élitiste, et l’art est encore considéré par beaucoup comme impossible à définir. Le fait qu’il soit possible de déterminer lequel des artistes de l’histoire ont créé une série d’œuvres considérable, et une contribution durable au développement de l’art est, en soi, une reconnaissance des sensibilités et des valeurs universellement compréhensibles.

L’échec de la critique

Depuis la naissance de l’art moderne dans le milieu du 19e siècle, la compréhension critique et public a été lent à s’adapter à – et par la suite, constamment resté en arrière – une succession constante de l’évolution radicale artistique qui dura plus d’un siècle. Les critiques d’art se sont constamment et vigoureusement opposés aux nouveaux développements dans l’art, plutôt que d’essayer sérieusement de comprendre les développements qui, il serait reconnu par la suite, étaient de la plus haute importance. Les critiques qui croient qu’elles sont nécessaires à la compréhension de l’art ne parviennent pas à accepter que, historiquement, les critiques se soient trompés systématiquement et constamment dans leurs opinions et dans leurs jugements.

La nature visuelle de l’art se prête naturellement à des questions de l’image, de la perception, du sujet et de l’objet, de l’expérience, de la réalité et la représentation, la forme et le sens, qui fonctionnent et qui sont adressées par des moyens visuels. Bon nombre de ces mécanismes et les effets sont perdus lorsque transposée dans le langage. Le terme ‘critique’ implique que les critiques décident de ce qu’est l’art, mais ils n’arrivent à de tels jugements qu’une fois l’art a déjà été créé. La compréhension de l’art a lieu entre l’observateur et l’œuvre d’art et n’a pas besoin d’être «interprétée ».» Il fait partie de la fonction de l’art et la nature de communiquer clairement et directement ce qu’il est. Alors que la compréhension de l’histoire de l’art et son contexte peut considérablement améliorer l’appréciation et la compréhension de l’art, il est généralement possible de saisir ce qui est voulu par l’artiste, sans aucune forme d’intermédiaire.

Une œuvre d’art est rarement importante pour une raison unique, mais plus souvent fonction par l’interaction des divers éléments d’une œuvre – sa forme, sa structure, son contenu, et l’intention de l’artiste. Une partie importante du fonctionnement d’un travail d’art est la manière dont cette multiplicité de questions est adressée. La critique d’art interfère souvent avec ce processus en analysant une œuvre à travers ses éléments constitutifs, détruisant ainsi le sens de résonance qui viennent de l’interrelation des différents éléments d’une œuvre. La critique d’art tente d’expliquer ou d’interpréter des œuvres qui ne sont pas faits pour fonctionner via le médium du langage. C’est que rarement les critiques d’art ont utilement contribué à l’élaboration ou la compréhension de l’art, habituellement à travers les œuvres d’écrivains importants ou des théoriciens qui ont été effectivement des artistes eux-mêmes, comme Emile Zola ou Walter Benjamin.

Le rôle le plus utile pour un critique est de fournir un contexte historique et biographique à un public pour situer l’œuvre d’un artiste dans le contexte plus large de l’histoire de l’art, comme l’expression de leurs opinions et leurs jugements sont généralement sans pertinence.

Maximes

1. L’art est une manifestation de facultés créatrices et imaginatives de l’humanité qui, comme toute discipline créative, est conditionnée dans une large mesure par la somme de son histoire.

2. L’art, en étant le reflet de l’époque dans laquelle il est produit, sert à encapsuler les sensations abstraites de son temps, qui sont représentés comme une sorte d’ensemble – une forme, une perception ou une image. En faisant ainsi, l’art nous permet de nous débarrasser de ces images extraordinaires et autoritaires et d’expériences qui nous entourent dans la vie quotidienne, pour nous aider à prendre la distance, à observer de l’extérieur, pour donner un sens des choses, pour nous permettre de fonctionner normalement et mieux, moins agressée par les événements et les circonstances qui touchent tant de nous, mais qui sont hors de notre contrôle direct.

3. Pour être de l’art, une œuvre doit dire quelque chose d’important sur l’état de l’art, ou ce que c’est que d’être humain, ou quelque chose d’important sur l’état contemporain de la société, ou à tout le moins être profondément inspirante sur le plan esthétique.

4. Art avec un grand «A» est la seule forme d’art que nous pouvons vraiment terme «art. L’art qui n’appartient pas au ‘canon’ de l’art historiquement important est une forme de pratique artistique, mais ne possède pas les valeurs profondes et essentielles que nous jugions nécessaires pour un travail à faire partie de l’histoire de l’Art.

5. Il y a rarement plus de 2 ou 3 nouveaux artistes importants partout dans le monde, à tout moment. L’histoire de l’art moderne est composée de pas plus de quelques centaines d’artistes sur une période de 150 an, en moyenne donc un, deux ou trois par an.

6. Ce qui constitue l’art important est décidé par un consensus des artistes les plus respectés, des critiques, des conservateurs et des historiens de décider au cours du temps où les artistes ont fait le travail, et une contribution au développement de l’art, qui est significatif et durable. De cette façon, au fil des décennies et des siècles, une histoire définitive de l’art est établi.

7. Les artistes décident ce qu’est l’art car ce sont eux qui le font. Les artistes produisent de l’art et les meilleurs exemples restent, sélectionnés par un consensus d’opinion qui se consolide au fil des générations. La durée importante de veiller à ce travail d’un artiste donné est important, habituellement d’au moins 50 ans, et elle assure qu’il n’y a pas de manipulation de l’histoire de l’art. Alors qu’un artiste contemporain sera célébré comme étant d’importance potentiellement historique, cela s’avère rarement de l’être.

8. Un très petit nombre de choses sont en cause dans la définition de ce qu’est l’art important. Une œuvre d’art unique est tout ce qui est nécessaire pour un artiste de présenter un tout nouveau concept d’art, même si de tels cas sont rares, et même s’il est inévitable que l’artiste produit un vaste ensemble de travaux à l’appui de leur idée ou des idées. Elle est la réception de l’art qui est complexe. Le processus d’administration de l’art implique qu’un nouvel artiste important doit passer par une ou plusieurs hiérarchies – galerie, critique, commissaire – avant d’être reconnu, un processus qui prend généralement entre 5 et 20 ans. C’est ces non-artistes dont l’artiste est obligé de traverser. Peu de critiques dans l’histoire ont été en mesure de comprendre l’art nouveau au moment où elle a paru, et les mécanismes pratiques – surtout l’accès aux galeries importantes – ne sont pas là pour permettre à l’artiste de présenter de nouveaux travaux, et de l’avoir compris, rapidement.

9. Il semble peu probable qu’il y reste des grands thèmes à découvrir dans l’art, tels que ceux constatés à la fin du 19e siècle et tout au long du 20e siècle. L’art contemporain est devenu avant tout une forme de polémique, de faire un point unique, qui se livre à titre temporaire, mais qui a rarement la profondeur et l’importance du travail d’artistes comme Picasso ou Mondrian, dont les travaux non seulement révolutionné l’art, mais aussi contribué à changer notre concept de la réalité.

10. Les valeurs essentielles de l’Art – la profondeur, la résonance et la longévité sont devenues de plus en plus compromise par la valeur financière de l’art, et par la nécessité de soutenir l’industrie massive des commentaires, des critiques et des ventes que le marché de l’art ont généré. Peu de questions sont posées – si l’art nouveau ne peut plus dire autant qu’elle a fait, ou si l’art fonction proprement en étant disponible et significatif pour le publique. Il est rarement pris en compte la façon dont les arts doivent fonctionner, étant donné qu’une grande majorité de la population ont que rarement accès à la culture importante en dehors de ceux qui vivent dans les grandes villes. Aujourd’hui, la conscience de l’importance de l’art n’a cessé d’augmenter au cours d’une période où très peu d’art nouveau de mérite est produit.

11. Il est absurde comment l’art est obligé de négocier les marchés, avec les problèmes bien trop évidents de la consommation axée sur la demande. La majorité des contacts directs avec l’«art» sont à travers les boutiques de l’art et de l’artisanat qui livrent inévitablement une version de l’art qui est rarement plus d’une forme de décoration, et donc pas vraiment l’art. Indépendamment des problèmes potentiels de l’art subventionné par l’état, la réalité de l’artiste est que l’art serait mieux servi par un mécanisme d’appui aux artistes importants financés par l’Etat, qui laisseront ces artistes qui se sont montré sérieux et engagé dans leurs communités à rester avec un revenu minimum.

12. L’art est habituellement traité seulement à son égard quelque 10, 20, 50 ou 100 ans après elle est faite, par laquelle il aura perdu beaucoup de sa pertinence à l’époque de sa création.

13. Alors que l’art de l’histoire reste méconnue il n’y a pas besoin désespéré de produire de l’art nouveau (même s’il est inévitable que les artistes continuent à créer de l’art). Ce qui importe maintenant, après plus d’un siècle d’évolution artistique extraordinaire, est l’absorption de l’évolution de l’art et des valeurs artistiques dans la vie quotidienne.

14. L’art est à la fois une perception et une représentation de quelque chose, tout en étant également une proposition de ce que quelque chose de nouveau pourrait l’être.

15. Dans le milieu « culturel » de notre époque, des gens essaient de plus en plus de revendiquer l’authenticité sans avoir vécu l’expérience. Cette simulation d’authenticité fait de l’art sérieux un divertissement banalisé. Les ‘talent shows’ honorent les personnes sans talent. La culture populiste, et la facilité de sa diffusion à travers les nouveaux médias, rend impossible l’authenticité, ou du moins souhaitable, puisque l’authenticité fait la médiocrité que trop évident.

16. Les beaux-arts sont la forme de créativité le plus pur parce qu’elle n’ont pas une seule matière première fixe. Music utilise le son, la littérature emploie la langue, mais l’art n’a ni forme ni matériel. Ils utilisent uniquement selon celui qui est pertinent, qui pour la plupart de l’histoire a été une sorte d’image ou une forme à trois dimensions. En étant une image, une œuvre d’art possède une clarté qui la plupart des autres formes d’art n’ont pas. Un livre est plus long à lire. Un film doit être vu dans son intégralité. La musique est sans doute plus émouvant parce qu’il est plus présente et immédiate, mais l’art dure parce que l’absorption est lente. L’art est plus estimé que même la philosophie parce que l’art est une sorte de philosophie sous une forme séduisante, qui non seulement communique une idée profonde mais de le faire de façon attrayante et agréable.

17. Les sociétés et leur culture construisent des structures pour s’adapter au changement – les gares et les maisons d’opéra – mais ceux-ci doivent être conservés à être rempli et utilisé, même si elles ne sont plus pertinentes. La société prétend que la musique classique est le fondement de la culture, malgré le fait que des centaines de milliers de personnes aller à un concert de rock, alors que seulement quelques centaines d’aller à un concert classique. Tenue d’opéra et de ballet et d’orchestre est une façon rassurante de la pendaison sur le passé. Les formes classiques de la culture ne doivent pas être s’en passer, mais un montant égal ou proportionnel de l’aide et de l’attention devrait être accordé aux formes contemporaines de la culture et de leur public.

18. L’art est, en définitive, le jugement et la justesse du jugement d’un artiste en face de leur travail n’ayant pas de précédent similaire, et c’est pourquoi les artistes sont, en définitive, à terme, respectée.

19. Le goût n’est pas le même que celui du jugement. Ce qu’un individu pense est l’«art» n’est pas nécessairement l’Art. Ce que l’on aime est une question de goût. Ce qu’un individu pense est de l’art est vrai pour eux et repose une question de leur opinion personnelle. Ce qui est reconnu comme l’art est décidé par un consensus des artistes, des historiens et des critiques, qui reconnaît au fil du temps ces artistes qui ont apporté une contribution au développement de l’art qui est profond et durable.

20. Ce que la culture contemporaine et de ses soutiens cherchent, c’est quelque chose qui semble radicale, mais sous une forme qui n’est pas radical – teneur en apparence différente, sous une forme déjà connue. En tant que la forme et le contenu sont devenus en grande partie inséparable, il est devenu de plus en plus difficile de créer entièrement de l’art original. L’art original est en général peu familier, souvent embarrassante, et généralement tout d’abord la fois publiquement et de façon critique inacceptable. Les mécanismes de la culture économiquement proscrits, comme le rythme de la condition moderne, n’ont pas le temps ou la volonté de permettre ce qui est nécessaire pour prendre place sur ses propres termes. Ce que la culture fait semblant de vouloir et de vénérer, il ne peut pas reconnaître et ne permet pas.

21. La forme et l’apparence de l’art du 20e siècle ont été exposé par le travail de seulement quelques dizaines d’artistes, tandis que de note du 20e siècle seulement un ou deux cents artistes, réunis, couvrent toutes les formes significatives de l’art pratiqué. Cette réalité historique est confondue avec l’idée que toute ce qui pratiquent les arts sont des «artistes». Mais une meilleure compréhension de l’art, de la culture, et de leurs mécanismes conduirait à un plus grand respect et à une compréhension de l’œuvre de ces artistes responsables de la création de formes originales. Les développements artistiques importants sont entraînés par un petit nombre d’avancées significatives, réalisées par très peu d’artistes, et très rarement, étant donné que la quantité de la production «artistique».

22. Les arts ont un style homéopathique de fonctionnement – un petit nombre d’artistes ont un effet disproportionné sur l’évolution artistique. Le style de blues de la guitare de l ‘Amérique du Nord a été créé par une poignée d’individus, Charlie Patton, Robert Johnson, Son House, parmi eux, mais les variations (des imitations souvent pauvres) de la forme du blues ont été pratiquées par plusieurs centaines de milliers de musiciens depuis près d’un siècle, en ne changeant que peu par rapport à la profondeur bouleversante du départ de ces formes. La plupart des ‘artistes’ qui prétendent à développer une font déjà existante font généralement du bricolage juste sur les bords, et qui avilint l’original, avec le résultat que nous ne sommes pas encouragés à se familiariser avec les œuvres ou les artistes originales. Les formes intrinsèques de faire de l’art – les techniques de la peinture ou de l’écriture ou l’apprentissage d’un instrument ne sont généralement pas particulièrement difficiles. Il est ce qu’on fait avec eux ce qui est important.

23. L’artiste d’origine invente une nouvelle forme d’art qui, en raison de sa précision, de sa clarté et de sa contemporanéité, devient instantanément reconnaissable et copiables. Le plus part de nos expériences culturelles se produisent par le biais d’un engagement avec une dilution des idées originales, telles que l’imagerie d’art moderne approprié pour devenir le design graphique. Les tableaux de Mondrian sont devenus un modèle pour d’innombrables formes de publicité, et, ce faisant, leur objectif initial et leur intention sont ignorés et dévalorisés.

24. Le point de vue romanesque, c’est de penser qu’il y a quelque chose de mystérieux dans l’acte de création – qui est vrai – mais les moments de la création sont peu nombreux et espacés, et une grande quantité de temps est consacré à faire des choses ordinaires – des choses qui n’en fournissent pas moins les structures pour permettre aux moments de création d’avoir lieu.

25. De nouvelles pensées et idées sont habituellement construites sur – ou en réaction à – les meilleures preuves et des exemples historiques.

26. L’arrivée de nouvelles formes d’art nécessite habituellement un ajustement dans nos cadres de référence.

27. Des percées sont, par définition, en désordre.

28. C’est le rôle de l’artiste pour voir une voie à suivre pour l’art.

29. Après la musique, l’art aspire à la condition de mobilier.

30. Art aura probablement toujours en mesure de «choc» car le développement de l’art comprend nécessairement l’invention des formes cohérentes et originales qui sont presque toujours d’abord perçues comme choquantes. Cela dit, le «choc» est généralement un peu plus de surprise ou de méconnaissance, vient où le goût populaire est renversé par l’évolution de la pensée et la culture. L’art ne peut être juste une réaction, mais doit proposer ou être pour quelque chose, pas seulement contre.

31. En traitant avec des idées et les interprétations multiples et simultanées, il est plus facile de se référer aux images qu’au langage.

32. Le processus d’engagement avec l’art est de durée prolongée, un dialogue abstrait entre l’artefact et spectateur.

33. La similitude et la répétition dans l’art signifient souvent la stagnation. Quand une époque se développe une forme qui se répète, il est probablement déjà temps de passer aux nouvelles choses. Il est également rarement débattu ou envisagé qu’il peut avoir des changements compréhensifs dans l’art qui rendent obsolète des idées et des définitions fondamentales. Un tel changement semble maintenant une possibilité, comme l’art semble être arrivé à une médiocrité homogène qui semble à peine crédible.

34. L’art est une des rares choses susceptibles d’être quelque chose, à une époque où tout change, et où la société a besoin de nouvelles valeurs. La plupart des objets sont d’un usage, mais peu d’engagement émotionnel important. La nature abstraite et émotive de l’art et l’esthétique, et de la culture est généralement, à une époque de matérialisme chronique, l’un des rares formes de sens corporels, et c’est la raison pour que l’art soit apprécié.

35. Une personne est capable de percevoir ce qui est bon et cohérente dans tous les arts. C’est la cohérence qui fait de grand art et les humains ont une capacité innée à détecter ce qui est cohérent et ce qui ne l’est pas. Ainsi, n’importe qui peut apprécier l’art, qu’il s’agisse ou non s’ils sont capables de le faire.

36. L’action de créer une oeuvre d’art peut donner à l’ouvrage destiné l’authenticité de l’art souvent seulement par les travaux exigeant des efforts considérables à faire, présentés et visionnés.

37. Alors que l’art n’est pas «terminé» lui a néanmoins créé un vocabulaire complet et, partant, une langue qui a du mal à se réinventer.

38. L’avènement des nouvelles technologies ne signifie pas nécessairement des nouvelles formes d’art, car l’art est encore soumis à certaines qualités établies. Encore aujourd’hui, une grande partie d’une œuvre d’art est qu’elle a été faite à la main, ou du moins tangiblement liée à ce que cela signifie d’être humain, plutôt que le produit de la manipulation des processus (vidéo, art numérique, etc.). Par le manque d’options (la technologie décide une grande partie de l’avantage esthétique), l’objet manque de l’authenticité. La technologie a tenté de supprimer cette ‘matérialité’ de l’art, mais ce faisant rend si difficile pour le spectateur de former un attachement émotif ; aux écrans, aux ordinateurs et d’autres moyens audio-visuels. L’authenticité artistique réside encore dans son unicité ou au moins une authenticité qui est difficile à joindre à quelque chose de virtuel, ou quelque chose de tellement dépendant de la technologie. Les progrès de la technologie ne dispense pas le problème des contenus.

39. La fonction la plus pratique de l’art est une avance d’idées, comme peu de gens d’expérience voient les oeuvres qu’ils savent tout de même dans la reproduction.

40. L’art répond à des impératifs sociaux et culturels. L’art important apparaît quand elle est nécessaire.

41. L’art nouveau implique habituellement une nouvelle façon de penser, d’être ou de faire.

42. L’art est un médium visuel parce que les images transgressent les limites du langage, ce qui permet les différents éléments contenus dans une œuvre d’être appréciée – directement, immédiatement et sur une multiplicité de niveaux.

43. La voie de la compréhension de l’art est généralement implicite dans l’œuvre d’art elle-même – l’œuvre d’art elle-même s’explique, souvent au moyen de suivre le processus dans lequel l’œuvre a été faite (de David Smith).

44. L’art projets des idées et des stratégies pour notre expérience de la réalité, ainsi la société avance toujours dans son développement inexorable vers des idées toujours plus sophistiquées, qui se développent par la construction – ou la révélation – de nouvelles formes et de modes de pensée.

45. La montée en puissance des conservateurs est un signe d’échec artistique.

46. L’art doit être significatif pour être l’art, sinon ce n’est pas l’Art.

47. De nouveaux artistes doivent attendre d’être acceptée jusqu’à ce que l’opinion consensuelle commence à s’ennuyer avec ce qu’elle dernier célébré comme intéressant.

48. Un artiste aura généralement vécu avec leur propre travail pendant des années voire des décennies avant d’être exposées et il faut pour l’artiste de nombreuses années pour être sûr qu’une pièce de travail est important. Un simple observateur qui voit brièvement le travail n’est pas toujours en mesure d’apprécier la qualité, l’intégrité ou l’importance d’une œuvre nouvelle. Il n’est pas impossible d’apprécier immédiatement de nouveaux travaux importants, mais il peut être difficile, car peu de gens réfléchissent, ni prennent le temps, ni apportent la compréhension de l’histoire et du climat contemporain, d’être capable de comprendre qu’une nouvelle forme d’art est viable, important et approprié.

49. La contrainte est inévitable pour les artistes tant que l’administration de la culture reste incapable de reconnaître, et de soutenir, des artistes inconnus.

50. Il y a une distinction importante entre la valeur personnelle et sociale de l’art et de la créativité, et les valeurs supérieures qui sont formulées par le canon historique des plus belles œuvres de tout genre.

51. Le besoin de monter des expositions à thème à succès répétées, pour attirer des spectateurs. Telles expositions fausser l’histoire de l’art tout en rendant impossible la jouissance des œuvres grâce à la surpopulation massive.

52. L’art est l’art parce qu’elle n’est pas la nature, et elle est au-delà du purement personnelle.

53. L’art significatif fonctions par sa concision, la manière précise dont il déclare ce qu’il est, la rigueur et la clarté de ses idées et la forme sont ce que lui donner créance. L’artiste emploie des compétences de savoir quelles manipulations sont nécessaires pour faire quelque chose semble (ou encore être) exempts de manipulations.

54. L’art a des aspirations plus élevées que la joliesse et le détournement.

55. Vous ne pouvez généralement pas «expliquer» une œuvre d’art, ni même de le décrire d’une manière appropriée.

56. Alors que le credo moderniste ne s’oppose pas à un art en outre, elle conteste néanmoins le concept «expressive» de l’art d’être aussi intéressant et sonore comme la concentration sur la structure et les idées. Une œuvre d’art doit à peine avoir un contenu, tel peut être l’autorité de sa forme et sa structure.

57. Une œuvre fait appel par son absence de superflu et par sa sincérité.

58. L’Art s’agit des choses si permanentes qu’elles font partie d’une réalité nouvelle.

59. Les sautes les plus importantes, souvent monumentaux, dans la culture ont été réalisées avec seulement la moindre des matériaux. La partition du «Rites du printemps de Stravinsky» ne comprend que quelques pages qui pourraient tenir dans un sac. ‘Les Demoiselles d’Avignon « utilisé comme peinture autant que pourrait tenir dans une boîte d’émulsion de ménage. Il y a quelque chose au-delà de sa pratique matérielle qui donne un sens au monde des œuvres d’art historiques les plus importants – à savoir l’idée et ses ramifications, atteint généralement par des changements d’accent et le raffinement d’un précédent historique en constante évolution, et occasionnellement par des idées tout à fait originales.

60. Les sentiments, des idées et des expressions de tous les arts sont généralement faciles à comprendre par le public. C’est ce processus de reconnaissance mutuel ou partagé qui articule la ‘communality’ de l’expérience humaine – ce que nous partageons, ce que nous apprécions, et pourquoi. L’art consolide ces valeurs que nous savons nous définir comme des êtres civilisés.

61. La plupart des formes culturelles contemporaines se fondent sur des formes et des structures connues – l’histoire, la narration, la composition – avec subtilement différents instruments et moyens. Quand nous écrivons un livre, nous ne ré-inventons pas le concept du langage.

62. Le problème central avec la critique d’art est le détournement de l’expérience de l’œuvre originale réelle. On est bien obligé de considérer des opinions de l’œuvre qui n’ont peut être rien à voir avec le travail lui-même. Aucune interprétation n’a jamais abordé tout ce qui n’était pas voulu par l’auteur original de l’œuvre, même si des critiques croient qu’ils trouvent des significations dans un ouvrage duquel l’auteur n’était pas au courant. Le commentaire la plus utile qui peut se faire sur une oeuvre d’art est une contextualisation historique. Le but et la fonction de la culture se trouvent dans l’expérience directe.

63. Une œuvre d’art est composée d’une forme, une structure, souvent mais pas toujours un sujet quelconque, et souvent une référence à l’art ou les questions dans l’art et son histoire. Ces éléments se résolvent en un dicton de base, un dialogue intérieur qui communique spontanément et directement ce que le travail est.

64. Une œuvre gagne sa cohérence dès la manière dont il est mis ensemble. Une œuvre d’art est toujours important pour un certain nombre de raisons, plutôt qu’une raison simple. Il est le dialogue des ‘inter-relations’ dans le travail (ou quelles sont ses idées impliquent), qui donne la substance et la profondeur de travail, et c’est le discours durable de ces inter-relations qui rend l’art significatif et c’est pourquoi elle dure.

65. L’art est visuel, et elle fonction au-delà de la langue.

66. L’art est de son temps est appartient à son époque. Un artiste peut rarement, sinon jamais, faire des travaux qui maintiennent le rythme de ces changements. Le travail de l’artiste change rarement au long de leur carrière.

67. L’œuvre d’un artiste dont le travail est important a une homogénéité dans son aspect global, et une série importante d’œuvres sont produite qui fonctionnent grâce à des permutations possibles.

68. La majorité des questions liées à la compréhension de l’art se posent parce que le mot ‘art’ est trop vague pour être en mesure de distinguer entre les différentes formes de la pratique artistique. Cette question est pertinente pour les «artistes» aussi, car l’artiste typique fait rarement une distinction entre leur travail et le canon de l’art d’importance historique.

69. Les deux questions les plus fondamentales dans l’art – «Qu’est-ce que c’est l’art?» Et «Qui décide de ce que c’est l’art? » n’ont jamais été traitées adéquatement et c’est pourquoi la réaction courante des gens et de la société sont que l’art est à la fois arbitraire et subjectif.

70. La solution la plus crédible pour le bien-être de l’art est le support d’artistes importants par l’Etat. L’art ne doit pas être vendu sur le marché libre, car il fait partie du patrimoine commun de l’humanité et doit être accessible à tous. Cela ne peut pas se passer s’il est vendu, sauf s’il a été prêté pour l’exposition permanente, qui, pour l’acheteur défait le sens de l’acheter. La possibilité d’acquérir des œuvres importants pour les collections publiques a été perdue, et il est peu probable que les sociétés ne seront plus jamais témoin aux artistes de la stature et de l’importance de Van Gogh, Picasso, Courbet, Pollock et d’autres, car l’art semble avoir rencontré un cours et a peu de nouveau à offrir. La subvention de l’Etat, permettant aux artistes qui se sont montrés pour être sérieux, consciencieux et dévoués, devraient être soutenus par une forme de revenu minimum. Mais «l’emploi», de même une petite poignée d’artistes par an qui seront choisis par un panel diversifié de personnalités reconnues et respectées du monde des arts, des artistes et du public, ne serait pas acceptable publiquement ou politiquement que les artistes sont perçus à «ne rien faire» et donc ne méritent pas d’être soutenu par des gens qui «œuvrent», nonobstant le fait que l’art et la culture sont sans doute parmi les qualités plus importantes et en définissant les attributs de notre humanité.

Même en laissant de côté la valeur culturelle de l’art, ce qui est rarement, voire jamais mentionné dans l’arène politique, les arts amènent des sommes énormes à l’économie d’un pays, par des visites de musées d’art d’importance historique, la culture étant un élément important de visites de villes et de pays étrangers. Ainsi que le prix d’entrée aux musées, galeries, théâtres et concerts, les touristes dépensent de vastes sommes indirectement dans les hôtels et les restaurants, les transports, l’achat de livres, et de reproductions, ainsi que d’avoir une énorme influence indirecte dans des domaines comme la mode et le design, graphique ou autre. Les touristes visitent systématiquement les repères culturels tels que la Tour Eiffel ou l’opéra de Sydney. Les galeries et les musées, les lieux de naissance des artistes et leurs lieux de travail attirent du monde au fil des décennies et des siècles et y génèrent des revenus extraordinaires. Lorsque l’humanité a besoin de montrer son plus beau, elle se tourne très souvent vers les arts pour montrer avec fierté ce que l’humanité est capable, et pour montrer combien de valeur des sociétés et de la culture estime de soi. Mais dans notre expérience et usage courant, l’art et la culture ont jugé inessentiel et une ponction sur les ressources.

Pour mettre en œuvre une perspective et une stratégie différente et efficace, il est nécessaire d’abord de reconnaître que les artistes nouveaux et originaux sont extrêmement rares, qu’il y a une différence entre l’art d’importance historique et l’immense majorité pratique de l’art. Ce sont ces artistes originaux et importants qui méritent le soutien et il est généralement facile de voir quand ces artistes commencent à produire un travail très original et important, même si cela se produit habituellement quand un artiste est dans leur 30s ou 40s. C’est à ce moment l’artiste doit être pris en charge pour un certain nombre d’années et de bons exemples de leur travail acquis par l’Etat. De cette façon, l’artiste peut vendre leur travail et devenir financièrement autonome, tout en galeries et musées gagnerait des exemples importants de leur travail. Ce serait une marque d’une société plus humaine et civilisée, si nous pouvions surmonter les préjugés et les incohérences vers les arts et offrir un revenu aux artistes qui sont reconnus pour être à un stade important de leur développement. Sans une compréhension de la base du développement de l’art et de la culture, il est difficile de se livrer à aucune forme de débat sur le rôle de l’art ou la nature de la culture.

L’incapacité à comprendre les questions fondamentales sur la nature de l’art vient d’un manque de placer les arts comme une composante centrale de l’éducation. Étant donné l’histoire riche et longue de tous les genres artistiques, un grand nombre d’heures d’enseignement pourraient être dépensé dans les études culturelles. Mais le but de l’éducation n’est peu plus que l’obtention d’une qualification pour entrer dans le marché du travail. Une relation différente de l’art et la culture nécessiterait d’abord une refonte complète de l’orientation du système éducatif, et une reconnaissance que le développement culturel, humain et social de l’individu est aussi, importante que ses ‘qualifications’.

Étant donné la popularité extraordinaire de formes artistiques comme la musique, la littérature et le cinéma, il est absurde que des antécédents complets de la culture n’ont pas été présent dans le curriculum de l’éducation. Les activités artistiques et musicales sont à jamais réduit au nom de réaliser des économies, ce qui signifie que l’éducation est de plus en plus étroite et inefficace. Placer les arts, la culture et les sciences humaines au centre des programmes scolaires permettrant de montrer l’importance du développement culturel et spirituel de l’individu et contribuera à définir les buts et les aspirations de la société.